KURT RYSLAVY
EXPOSICIÓN ESPECIAL EN EL MUSEO DE
ARTE CONTEMPORÁNEO
abierto del 01 de abril al 01 de noviembre de 2023
La obra recién terminada brillaba con un destello de luz tan intenso que no podía mirarla en su totalidad.
Sin ánimo de ofender
Visibilidad, valor e identidad
Durante casi cinco décadas, Kurt Ryslavy ha utilizado su práctica artística para plantear cuestiones sobre el valor (del arte) en términos tanto cualitativos como cuantitativos. Para dar visibilidad a este tema, Ryslavy concibe y realiza regularmente exposiciones individuales en las que sus obras se presentan junto a las de otros artistas. Esto facilita que los receptores reconozcan las diferencias cualitativas. Los valores cuantitativos sólo pueden reconocerse en contadas ocasiones, dada la relación a menudo ambigua entre precio y valor. En una exposición colectiva en lugar de una individual, no nos preguntaríamos necesariamente por qué la sociedad valora unas obras de arte más que otras en términos de precios más elevados.
Las exposiciones individuales de Ryslavy suscitan precisamente este tipo de preguntas. Su arte sirve así de vara de medir y nos proporciona un punto de partida que plantea la cuestión del valor estético de una obra de arte, ya sea artístico, cognitivo o moral. Aunque sus exposiciones individuales se asemejan a una instalación artística, esta categorización no es aplicable porque, al igual que las exposiciones convencionales, son desmontables. Sin duda, el interés de Ryslavy por la visualización, por exponer, refleja su papel de coleccionista desde hace mucho tiempo, ya que las cuestiones de visibilidad influyen en el valor, tanto cuantitativa como cualitativamente.
La forma más básica de atribuir valor a una obra de arte es establecer su valor de mercado o precio de venta. Sin embargo, sólo un pequeño porcentaje de obras de arte, ya se expongan en estudios, galerías o museos, y un porcentaje aún menor de todas las obras creadas, tienen realmente un valor de mercado. Las obras de arte expuestas tienen un "valor seguro", aunque no necesariamente un valor de mercado, ya que sólo un vendedor (y no "el mercado") tiene necesariamente que determinar el precio de venta. La feria de arte es incluso un lugar en el que todas las obras expuestas están a la venta. Se podría argumentar que aquellas obras de arte que no encuentran compradores debido a su precio no tienen valor de mercado. Para simplificar, el precio de una obra de arte se denomina valor extrínseco y su valor, que surge entre los espectadores en el sentido de aprecio, asombro, reconocimiento o admiración, valor intrínseco. La palabra "obra" se refiere al valor intrínseco de una obra de arte, por lo que el uso del término inglés "work" como forma abreviada de "artwork" es incorrecto. Las obras de arte contemporáneas almacenadas en depósitos aduaneros, por ejemplo, carecen efectivamente de "obra" en el sentido de confrontación, porque la admiración presupone visibilidad.
Dado que todas las obras de arte tienen un valor intrínseco, pero relativamente pocas tienen un valor extrínseco, el valor intrínseco se tratará aquí con más detalle. Piense en los objetos que tiene "a la vista" en su propia casa. Probablemente podría explicar por qué los admira, protege e incluso cuida, aunque nadie quiera comprarlos. Hemos elegido nuestras posesiones, por eso las valoramos, aunque nadie más reconozca su carácter especial. Nuestras elecciones revelan mucho sobre nosotros mismos, y la forma en que presentamos los objetos que nos rodean en privado revela nuestra identidad. Ryslavy se describe a sí mismo como un artista conceptual; quizá sea el único artista conceptual del mundo cuyo medio preferido es la pintura al óleo. Los coleccionistas conscientes de la relación entre presentación (visibilidad), valor e identidad se esfuerzan por crear identidades auténticas y subrayar el valor intrínseco e intrínseco de las obras de arte de su colección. La estrategia de Kurt Ryslavy consiste en volver a poner en juego estos temas con exposiciones individuales.
Inspirado en el lema "200 imágenes, grandes y pequeñas. No hay dos temas iguales. Interesante para todos", que se utilizó para anunciar la exposición de Louis Michel Eilshemius en Nueva York en 1911, Kurt Ryslavy realizó la exposición "110" 110 años después, para la que expuso un centenar de sus óleos "para llevar", envueltos y empaquetados en el suelo y apoyados en la pared, agrupados en tres partes. El primer grupo mostraba diez pequeños cuadros del poco conocido pintor austriaco Franz Schröckenfuchs (*1910 Leoben, †1987 Gratwein), cuyos cuadros Ryslavy había ido adquiriendo desde 1982. Como ni Schröckenfuchs ni Ryslavy estaban en condiciones de determinar el precio de estas obras de arte, Ryslavy sugirió en una ocasión precios de compra basados en productos cotidianos como una barra de pan o un kilo de carne de vacuno. Tres semanas después de esta exposición, Ryslavy sustituyó los cuadros de Schröckenfuchs por 12 obras de su colección de arte. Cada obra iba acompañada de una "etiqueta" pintada a mano que incluía el nombre del artista, la fecha de compra, la procedencia y la razón específica de Ryslavy para comprar la obra. Seis semanas después, Ryslavy cambió estos pares por cinco obras pintadas por su padre. Éste era farmacéutico de profesión. Para entender la decisión de su hijo Kurt, que había abandonado los estudios de farmacia en favor de la filosofía antes de convertirse en artista, él mismo había empezado a pintar a una edad madura. Lo más extraño es que a la madrastra de Kurt Ryslavy no se le ocurrió enseñarle estos cuadros hasta 27 años después de la muerte de su padre. El propio Ryslavy estimaba unos precios de 1200 a 2000 euros por sus cuadros velados, pero consideraba que los de Schröckenfuchs eran inasequibles. En el siguiente grupo, nada menos que tres de los cuadros velados de Ryslavy podían adquirirse por 1.850 euros cada uno, independientemente de su tamaño. Sus etiquetas pintadas a mano tenían un precio 30 % más alto, 2.720 euros por pieza, pero unos 50 % más pequeñas que las pinturas veladas. Sus obras de colección estaban a la venta, pero no se indicaban los precios, y se advertía a los compradores de que no se facilitaría prueba de compra con la venta, presumiblemente para proteger la reputación del vendedor. En el tercer grupo, la decisión de no indicar el precio se justificaba con la siguiente explicación irónica: "Las obras de Kurt Ryslavy padre (1920-1992) no tienen valor de mercado". Las pinturas envueltas de Kurt Ryslavy en esta instalación tienen un carácter más bien decorativo. La presentación es inadecuada para la venta. Las obras están mal presentadas y la instalación artística está sobrevalorada/sobrevalorada y no es vendible. Donación a petición. (El artista se reserva el derecho de no charlar con personas blancas, y preferiblemente mujeres)". A pesar de la falta de ventas, "110" aumentó el valor intrínseco de su colección y de su conjunto de pinturas, ya que dio a los espectadores mucho "trabajo" (ideas sobre las que pensar y debatir), lo que incrementó aún más el valor de su obra. Sus cuadros envueltos constituían el telón de fondo de una obra de teatro en tres actos. Las pinturas con etiquetas del segundo acto servían de guión autobiográfico. Estos rótulos ilustran el empeño de Ryslavy por ampliar el público de su obra, algo que queda patente en su extenso glosario (2017). El hecho de que abriera y cerrara la exposición con pinturas de desconocidos (primero con obras de Schröckenfuchs y finalmente con las de su padre) ilustra la necesidad de las exposiciones visibles públicamente para crear un valor intrínseco e intrínseco de una obra de arte en primer lugar. Al ocultar y, por tanto, esconder su propia obra, Ryslavy arroja efectivamente luz sobre las obras de los demás.
Exposiciones anteriores
- "110" Exposición en tres partes en Angelinna
(Vitrinas Rivoli), Bruselas (9 de mayo - 31 de julio de 2021)
- Primera parte de esta exposición en la
Exposición colectiva Raíces Estirias
- Museo de Arte Contemporáneo
Abadía de Admont (marzo - noviembre 2022)
¿Quién empuja a quién?
La mayoría de los cuadros que Kurt Ryslavy expone abiertamente aquí se presentaron empaquetados en la instalación "110" (2021 Bruselas y 2022 Admont). En esta exposición, también muestra sus cuadros junto a obras de otros artistas, aunque éstas proceden ahora de la colección de arte contemporáneo del Museo Admont. Esta vez, en calidad de comisario, Ryslavy ha seleccionado específicamente grabados, pinturas, esculturas, instalaciones y fotografías de 16 artistas austriacos (nacidos entre 1931 y 1965) que enseñaron o siguen enseñando en una de las dos academias de arte vienesas. Esto saca a la luz otro capítulo autobiográfico. El artista representado en la exposición, Bruno Gironcoli, por ejemplo, fue profesor del renombrado artista Franz West, con quien Ryslavy mantuvo una temprana amistad y cuyas obras coleccionaba. Oswald Oberhuber, también representado con obras en la exposición, invitó a Ryslavy a unirse a su clase como "alumno maestro", a pesar de que no había aprobado el examen de ingreso en la Academia de Viena. El plan de Ryslavy de ofrecer y utilizar su propia obra en las salas de exposición como "revestimiento (lambris)" parece desconcertante a primera vista, ya que esta decoración arquitectónica está destinada principalmente a proteger las paredes de arañazos o daños causados por sillas y mesas que chocan contra las paredes. Visto así, Ryslavy ofrece protección colocando sus cuadros a ras de la parte inferior de las paredes, como si pusiera su obra a disposición para proteger la de los demás artistas de la misma exposición. No es un riesgo insignificante utilizar la propia obra como revestimiento mural, ya que los espectadores podrían chocar accidentalmente con los cuadros o arrancarlos de sus ganchos. En referencia al éxito de Aretha Franklin de 1985 "Who's zoomin' who?", la pregunta es "Who's bumpin' who?". ¿Este "colgado" específico del cuadro de Ryslavy debajo de las obras seleccionadas de los demás artistas aumenta el valor de su arte o su novedosa estrategia expositiva aumenta el valor de las obras de los demás? Queda una ligera duda de que Ryslavy quiera transmitir modestia con esta forma de presentación, comparable a una profunda reverencia para mostrar gratitud o incluso reverencia. A la vista de su notable carrera artística (Skulptur Projekte 1997 y más de 100 exposiciones individuales en 11 países desde 1980, etc.), la mayor parte de la cual ha tenido lugar fuera de Austria, uno percibe su apertura a reencontrarse con colegas artistas austriacos. Por otra parte, quizás se trate también de un acto de balance relajado ante el rechazo inicial de la Academia de Viena. En cualquier caso, esta exposición proclama: "Sin ánimo de ofender... todo es perfecto tal como es", lo que realza el valor de cada obra individual, ya que esta reunión de obras de arte revive una memorable época de finales del siglo XX de la notoria escena artística vienesa.
Sue Spaid
Con obras de: Siegfried Anzinger, Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Gunter Damisch, Bruno Gironcoli, Franz Graf, Claudia Hirtl, Brigitte Kowanz, Oswald Oberhuber, Lois Renner, Constanze Ruhm, Eva Schlegel, Ruth Schnell, Ingeborg Strobl, Erwin Wurm y Kurt Ryslavy.