KURT RYSLAVY
EXPOSITION SPÉCIALE AU MUSÉE DE
ART CONTEMPORAIN
ouvert du 01 avril au 01 nov. 2023
L'œuvre récemment achevée brillait d'un tel éclat d'éclairs que je ne pouvais pas la regarder complètement.
Sans rancune
Visibilité, valeur et identité
Depuis près de cinq décennies, Kurt Ryslavy utilise sa pratique artistique pour poser des questions sur la valeur (de l'art), tant d'un point de vue qualitatif que quantitatif. Pour rendre ce thème visible, Ryslavy conçoit et réalise régulièrement des expositions individuelles dans lesquelles ses œuvres sont présentées aux côtés de celles d'autres artistes. Il est ainsi plus facile pour les destinataires de reconnaître les différences qualitatives. Les valeurs quantitatives sont rarement saisissables étant donné la relation souvent peu concluante entre le prix et la valeur. Dans le cas d'une exposition de groupe plutôt que d'une exposition individuelle, nous ne nous demanderions pas nécessairement pourquoi la société (valoriser) certaines œuvres d'art plus que d'autres, dans le sens d'un prix plus élevé.
Les expositions individuelles de Ryslavy suscitent précisément ce genre de questions. Son art nous sert donc d'étalon et nous fournit un point de départ qui pose la question de la valeur esthétique d'une œuvre d'art, qu'il s'agisse de sa valeur artistique, cognitive ou morale. Bien que ses expositions individuelles ressemblent à une œuvre d'art d'installation, cette catégorisation ne s'applique pas car, comme les expositions conventionnelles, elles peuvent être dissociées dans leurs détails (disassemblable). Il ne fait aucun doute que l'intérêt de Ryslavy pour la visibilité, l'exposition, reflète son rôle de collectionneur de longue date, puisque les questions de visibilité influencent la valeur, tant sur le plan quantitatif que qualitatif.
La manière la plus fondamentale d'attribuer une valeur à une œuvre d'art est basée sur la fixation d'une valeur marchande ou d'un prix de vente. Cependant, seul un petit pourcentage d'œuvres d'art, qu'elles soient exposées dans des ateliers, des galeries ou des musées, et un pourcentage encore plus faible de toutes les œuvres créées, ont réellement une valeur marchande. Les œuvres d'art exposées ont une "valeur d'assurance", même si elles n'ont pas nécessairement une valeur marchande, étant donné que seul un vendeur (et non "le marché") est obligatoirement requis pour fixer le prix de vente. La foire d'art est même un lieu où chaque œuvre d'art exposée est à vendre. On pourrait objecter que les œuvres d'art qui ne trouvent pas d'acheteurs en raison de leur prix n'ont pas de valeur marchande. Pour simplifier, le prix d'une œuvre d'art est appelé sa valeur extrinsèque, tandis que sa valeur intrinsèque, qui se traduit chez les spectateurs par l'appréciation, l'étonnement, la reconnaissance ou l'admiration, est appelée valeur intrinsèque. Le mot "œuvre" (en anglais "work") se réfère à la valeur intrinsèque d'une œuvre d'art, c'est pourquoi l'utilisation du terme anglais "work" (en français "œuvre" ou "travail") comme forme abrégée de "œuvre d'art" (en anglais "artwork") est erronée. Les œuvres d'art contemporaines entreposées dans les ports francs manquent en effet de "work", dans le sens d'une confrontation, car l'admiration présuppose la visibilité.
Étant donné que chaque œuvre d'art a une valeur intrinsèque, mais que relativement peu d'entre elles ont une valeur extrinsèque, nous allons nous intéresser de plus près à la valeur intrinsèque. Pensez aux objets qui sont "exposés" dans votre propre maison. Vous pourriez probablement expliquer pourquoi vous les admirez, les protégez et même en prenez soin, même si personne ne veut les acheter. Nous avons choisi nos possessions, donc nous les apprécions, même si personne d'autre ne reconnaît leur spécificité. Nos choix en disent long sur nous-mêmes, et la manière dont nous présentons les objets qui nous entourent en privé révèle notre identité. Ryslavy se définit lui-même comme un artiste conceptuel - il est peut-être le seul artiste conceptuel au monde dont le médium de prédilection est la peinture à l'huile. Les collectionneurs qui sont conscients de la relation entre la présentation (visibilité), la valeur et l'identité, travaillent intensément à créer des identités authentiques et à souligner la valeur intrinsèque et intrinsèque des œuvres d'art de leur collection. La stratégie de Kurt Ryslavy consiste à mettre en jeu ces thèmes de manière récurrente par le biais d'expositions individuelles.
Inspiré par le slogan "200 images, grandes et petites. Aucun sujet ne ressemble à un autre. Intéressant pour tous", qui faisait la promotion de l'exposition de Louis Michel Eilshemius à New York en 1911, Kurt Ryslavy a réalisé 110 ans plus tard l'exposition "110", pour laquelle il a exposé une centaine de ses peintures à l'huile "à emporter", voilées et emballées, posées sur le sol et adossées au mur, regroupées en trois parties. Le premier groupe présentait dix petites toiles du peintre autrichien peu connu Franz Schröckenfuchs (*1910 Leoben, †1987 Gratwein), dont Ryslavy a acquis les tableaux depuis 1982. Comme ni Schröckenfuchs ni Ryslavy n'étaient en mesure de déterminer le prix de ces œuvres d'art, Ryslavy a un jour proposé des prix d'achat basés sur des biens de consommation courante comme une miche de pain ou un kilo de viande de bœuf. Trois semaines après cette exposition, Ryslavy a remplacé les tableaux de Schröckenfuchs par 12 œuvres de sa collection d'art. Chaque œuvre d'art était accompagnée d'une "étiquette" peinte à la main, indiquant le nom de l'artiste, la date d'achat et la provenance, ainsi que la raison particulière pour laquelle Ryslavy avait acheté l'œuvre. Six semaines plus tard, Ryslavy a échangé ces paires contre cinq œuvres d'art peintes par son père. Ce dernier était pharmacien de profession. Pour comprendre la décision de son fils Kurt, qui avait abandonné les études de pharmacie pour la philosophie avant de devenir artiste, il avait lui-même commencé à peindre à l'âge mûr. Plus étrange encore, la belle-mère de Kurt Ryslavy n'a pensé à lui montrer ces tableaux que 27 ans après la mort de son père. Ryslavy lui-même estimait le prix de ses tableaux voilés entre 1200,- et 2000,- euros, mais il estimait que les tableaux de Schröckenfuchs étaient hors de prix. Dans le groupe suivant, on pouvait acheter pas moins de trois des tableaux voilés de Ryslavy pour 1 850 € chacun, indépendamment de leur taille. Ses étiquettes peintes à la main étaient vendues 30 % plus cher, soit 2 720 € pièce, mais elles étaient environ 50 % plus petites que les tableaux voilés. Ses œuvres collectives étaient en vente, mais les prix n'étaient pas indiqués et les acheteurs étaient avertis qu'aucune preuve d'achat ne serait fournie lors de la vente, probablement pour protéger la réputation du vendeur. Pour le troisième groupe, l'absence d'indication de prix était justifiée par l'explication ironique suivante : "Les œuvres de Kurt Ryslavy senior (1920-1992) n'ont pas de valeur marchande. Les tableaux emballés de Kurt Ryslavy dans cette installation ont un caractère plutôt décoratif. Pour la vente, la présentation est insuffisante. Les œuvres d'art sont mal présentées et l'installation artistique est surévaluée/surestimée et ne peut pas être vendue. Donation sur demande. (L'artiste se réserve le droit de ne pas bavarder avec les Blancs, et de préférence avec les femmes)". Malgré le manque de ventes, "110" augmentait la valeur intrinsèque de sa collection et de son stock de peintures, car il donnait beaucoup de "travail" (idées à réfléchir et à discuter) aux spectateurs, ce qui augmentait encore la valeur de son œuvre. Ses tableaux emballés ont fourni un décor scénique pour une pièce en trois actes. Des images-étiquettes du deuxième acte ont servi de scénario autobiographique. Ces étiquettes illustrent la volonté de Ryslavy d'élargir l'audience de son œuvre, un point mis en évidence par son vaste glossaire (2017). Le fait qu'il ait ouvert et fermé l'exposition avec des peintures d'inconnus (d'abord avec des œuvres de Schröckenfuchs et enfin avec celles de son père) illustre la nécessité d'expositions visibles par le public afin de créer une valeur intrinsèque et intérieure à l'œuvre d'art. En cachant son propre travail, Ryslavy met efficacement en lumière les œuvres des autres.
Expositions précédentes
- "110" Exposition en trois parties à Angelinna
(Rivoli Vitrines), Bruxelles (9 mai - 31 juillet 2021)
- Première partie de cette exposition à la
Exposition de groupe Racines styriennes
- Collection du musée d'art contemporain
Abbaye d'Admont (mars - novembre 2022)
Qui pousse qui ?
La plupart des peintures que Kurt Ryslavy expose ici ouvertement étaient présentées emballées dans l'installation "110" (2021 Bruxelles et 2022 Admont). Dans cette exposition, il présente également ses peintures aux côtés des œuvres d'autres artistes, mais celles-ci proviennent désormais de la collection d'art contemporain du musée d'Admont. Cette fois-ci, Ryslavy a joué le rôle de commissaire d'exposition en sélectionnant des œuvres graphiques, des peintures, des sculptures, des installations et des photographies de 16 artistes autrichiens (nés entre 1931 et 1965) qui ont enseigné ou enseignent encore dans l'une des deux académies d'art de Vienne. Un autre chapitre autobiographique est ainsi mis en lumière. L'artiste Bruno Gironcoli, représenté dans l'exposition, a par exemple enseigné à l'artiste renommé Franz West, avec lequel Ryslavy s'est lié d'amitié très tôt et dont il a collectionné les œuvres. Oswald Oberhuber, qui est également représenté par des œuvres dans l'exposition, a invité Ryslavy à suivre ses cours en tant que "maître-élève", bien qu'il n'ait pas réussi l'examen d'entrée à l'Académie de Vienne. Le projet de Ryslavy de proposer et d'utiliser son propre travail dans les salles d'exposition comme "lambris" semble tout d'abord énigmatique, car cette décoration architecturale a pour but premier de protéger les murs des éraflures ou des dommages causés par les chaises et les tables qui se heurtent aux murs. De ce point de vue, Ryslavy offre une protection en plaçant ses peintures au ras des murs, comme s'il mettait son œuvre à disposition pour protéger celle des autres artistes présents dans la même exposition. Utiliser son œuvre comme revêtement mural ne représente pas un risque négligeable, car les spectateurs pourraient accidentellement se cogner contre les peintures ou les arracher de leurs crochets. En référence au tube d'Aretha Franklin de 1985 "Who's zoomin' who ?", il se demande "Who's bumpin' who ? Cet "accrochage" spécifique de la peinture de Ryslavy en dessous des œuvres d'art sélectionnées des autres artistes augmente-t-il la valeur de son art ou sa stratégie d'exposition inédite augmente-t-elle la valeur des œuvres d'art des autres ? Il subsiste un léger doute quant au fait que Ryslavy veuille, par cette forme de présentation, transmettre de la modestie, comparable à une profonde révérence, pour exprimer de la gratitude ou même de la révérence. Compte tenu de sa remarquable carrière artistique (Skulptur Projekte 1997 ainsi que plus de 100 expositions individuelles dans 11 pays depuis 1980, etc.), qui s'est déroulée en grande partie en dehors de l'Autriche, on sent qu'il est ouvert à l'idée de rencontrer à nouveau des collègues artistes autrichiens. D'un autre côté, il s'agit peut-être aussi d'un acte de bilan détendu face au refus initial de l'Académie de Vienne. Quoi qu'il en soit, cette exposition s'exclame : "Sans rancune... tout est parfait tel quel", ce qui augmente la valeur de chaque œuvre d'art, car ce rassemblement d'œuvres d'art fait revivre une époque mémorable de la fin du 20e siècle de la tristement célèbre scène artistique viennoise.
Sue Spaid
Avec des œuvres de : Siegfried Anzinger, Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Gunter Damisch, Bruno Gironcoli, Franz Graf, Claudia Hirtl, Brigitte Kowanz, Oswald Oberhuber, Lois Renner, Constanze Ruhm, Eva Schlegel, Ruth Schnell, Ingeborg Strobl, Erwin Wurm et Kurt Ryslavy
