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Museo d'arte contemporanea - Kurt Ryslavy

KURT RYSLAVY

MOSTRA SPECIALE AL MUSEO DI
ARTE CONTEMPORANEA

aperto dal 01 aprile al 01 novembre 2023

L'opera appena completata brillava di una luce così intensa che non riuscivo a guardarla per intero.

Senza offesa
Visibilità, valore e identità

Per quasi cinque decenni, Kurt Ryslavy ha utilizzato la sua pratica artistica per porre domande sul valore (dell'arte) in termini sia qualitativi che quantitativi. Per rendere visibile questo tema, Ryslavy concepisce e realizza regolarmente mostre personali in cui le sue opere sono presentate accanto a quelle di altri artisti. In questo modo è più facile per i destinatari riconoscere le differenze qualitative. I valori quantitativi possono essere riconosciuti solo raramente, data la relazione spesso ambigua tra prezzo e valore. In una mostra collettiva invece che in una personale, non ci chiederemmo necessariamente perché la società valuta alcune opere d'arte più di altre in termini di prezzi più alti.

Le mostre personali di Ryslavy suscitano proprio queste domande. La sua arte funge quindi da metro di paragone e ci fornisce un punto di partenza che solleva la questione del valore estetico di un'opera d'arte, sia esso artistico, cognitivo o morale. Sebbene le sue mostre personali assomiglino a un'opera d'arte installativa, questa categorizzazione non si applica perché, come le mostre convenzionali, sono smontabili. Senza dubbio, l'interesse di Ryslavy per la visualizzazione, per l'esposizione, riflette il suo ruolo di collezionista di lunga data, poiché le questioni di visibilità influenzano il valore, sia quantitativamente che qualitativamente.

 

Kurt Ryslavy Foto Invito www

Il modo più elementare per attribuire un valore a un'opera d'arte è quello di stabilire un valore di mercato o un prezzo di vendita. Tuttavia, solo una piccola percentuale di opere d'arte, siano esse esposte in studi, gallerie o musei, e una percentuale ancora minore di tutte le opere create, ha effettivamente un valore di mercato. Le opere d'arte esposte hanno un "valore assicurativo", anche se non necessariamente un valore di mercato, poiché solo un venditore (e non il "mercato") deve necessariamente determinare il prezzo di vendita. La fiera d'arte è persino un luogo in cui ogni opera d'arte esposta è in vendita. Si potrebbe obiettare che le opere che non trovano acquirenti a causa del loro prezzo non hanno valore di mercato. Per semplicità, il prezzo di un'opera d'arte viene indicato come valore estrinseco e il suo valore, che nasce tra gli spettatori nel senso di apprezzamento, stupore, riconoscimento o ammirazione, come valore intrinseco. La parola "opera" si riferisce al valore intrinseco di un'opera d'arte, per cui l'uso del termine inglese "work" come forma abbreviata di "artwork" non è corretto. Le opere d'arte contemporanee conservate nei magazzini doganali, ad esempio, non hanno "lavoro" nel senso di confronto, perché l'ammirazione presuppone la visibilità.

Abbazia di Admont Kurt Ryslavy c Michael Braunsteiner www

 

Poiché ogni opera d'arte ha un valore intrinseco, ma relativamente poche hanno un valore estrinseco, il valore intrinseco sarà discusso in dettaglio qui. Pensate agli oggetti "esposti" in casa vostra. Probabilmente potreste spiegare perché li ammirate, li proteggete e ve ne prendete cura, anche se nessuno vuole comprarli. Abbiamo scelto i nostri beni, quindi li apprezziamo, anche se nessun altro ne riconosce la particolarità. Le nostre scelte rivelano molto di noi stessi e il modo in cui presentiamo gli oggetti che ci circondano rivela la nostra identità. Ryslavy si definisce un artista concettuale - forse è l'unico artista concettuale al mondo il cui mezzo preferito è la pittura a olio. I collezionisti consapevoli del rapporto tra presentazione (visibilità), valore e identità si impegnano a fondo per creare identità autentiche e sottolineare il valore intrinseco e intrinseco delle opere d'arte della loro collezione. La strategia di Kurt Ryslavy è quella di rimettere in gioco questi temi con mostre personali.

 

Ispirato allo slogan "200 immagini, grandi e piccole. Non ci sono due temi uguali. Interessante per tutti", utilizzato per pubblicizzare la mostra di Louis Michel Eilshemius a New York nel 1911, Kurt Ryslavy ha realizzato, 110 anni dopo, la mostra "110", per la quale ha esposto circa 100 dei suoi dipinti a olio "to go", avvolti e impacchettati sul pavimento e appoggiati alla parete, raggruppati in tre parti. Il primo gruppo presentava dieci piccoli dipinti del poco conosciuto pittore austriaco Franz Schröckenfuchs (*1910 Leoben, †1987 Gratwein), di cui Ryslavy aveva acquisito i quadri dal 1982. Poiché né Schröckenfuchs né Ryslavy erano in grado di determinare il prezzo di queste opere d'arte, una volta Ryslavy suggerì prezzi di acquisto basati su beni di uso quotidiano come una pagnotta di pane o un chilo di carne. Tre settimane dopo questa mostra, Ryslavy ha sostituito i dipinti di Schröckenfuchs con 12 opere della sua collezione d'arte. Ogni opera era accompagnata da una "etichetta" dipinta a mano che riportava il nome dell'artista, la data di acquisto, la provenienza e il motivo specifico per cui Ryslavy aveva acquistato l'opera. Sei settimane dopo, Ryslavy scambiò queste coppie con cinque opere d'arte dipinte da suo padre. Quest'ultimo era un farmacista di professione. Per capire la decisione del figlio Kurt, che prima di diventare artista aveva abbandonato gli studi di farmacia a favore della filosofia, aveva iniziato a dipingere lui stesso in età matura. La cosa ancora più strana è che la matrigna di Kurt Ryslavy pensò di mostrargli questi quadri solo 27 anni dopo la morte del padre. Lo stesso Ryslavy stimava prezzi tra i 1200 e i 2000 euro per i suoi dipinti velati, ma considerava i quadri di Schröckenfuchs inaccessibili. Nel gruppo successivo, non meno di tre dipinti velati di Ryslavy potevano essere acquistati per 1.850 euro ciascuno, indipendentemente dalle dimensioni. Le sue etichette dipinte a mano avevano un prezzo superiore di 30 % a 2.720 euro al pezzo, ma erano più piccole di circa 50 % rispetto ai dipinti velati. Le sue opere da collezione erano in vendita, ma i prezzi non erano indicati e gli acquirenti erano avvertiti che non sarebbe stata fornita alcuna prova di acquisto con la vendita, presumibilmente per proteggere la reputazione del venditore. Per il terzo gruppo, la decisione di non indicare un prezzo è stata giustificata con la seguente ironica spiegazione: "Le opere di Kurt Ryslavy senior (1920-1992) non hanno valore di mercato". I dipinti avvolti di Kurt Ryslavy in questa installazione hanno un carattere piuttosto decorativo. La presentazione è inadeguata per la vendita. Le opere sono presentate male e l'installazione d'arte è sopravvalutata/sovrastimata e invendibile. Donazione su richiesta. (L'artista si riserva il diritto di non parlare con i bianchi e preferibilmente con le donne)". Nonostante la mancanza di vendite, "110" ha aumentato il valore intrinseco della sua collezione e del suo corpus pittorico, poiché ha fornito agli spettatori un sacco di "lavoro" (idee su cui riflettere e discutere), che ha ulteriormente aumentato il valore della sua opera. I suoi dipinti avvolti costituivano un fondale scenico per un'opera teatrale in tre atti. Le etichette del secondo atto fungevano da copione autobiografico. Queste etichette illustrano il tentativo di Ryslavy di ampliare il pubblico della sua opera, un punto chiarito dal suo ampio glossario (2017). Il fatto che abbia aperto e chiuso la mostra con dipinti di estranei (prima con opere di Schröckenfuchs e infine con quelle di suo padre) illustra la necessità di mostre visibili al pubblico per creare innanzitutto un valore intrinseco e intrinseco di un'opera d'arte. Occultando e quindi nascondendo il proprio lavoro, Ryslavy getta efficacemente luce sulle opere degli altri.

 

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Mostre precedenti

 

- "110" Mostra in tre parti ad Angelinna
(Rivoli Vitrines), Bruxelles (9 maggio - 31 luglio 2021)

- Prima parte di questa mostra nella
Mostra collettiva Radici della Stiria

- Museo della Collezione d'Arte Contemporanea
Abbazia di Admont (marzo - novembre 2022)

Ryslavy DSCF www

Chi spinge chi?

La maggior parte dei dipinti che Kurt Ryslavy espone qui in forma aperta sono stati presentati confezionati nell'installazione "110" (2021 Bruxelles e 2022 Admont). Anche in questa mostra l'artista espone i suoi dipinti accanto a opere di altri artisti, anche se ora provengono dalla collezione di arte contemporanea del Museo Admont. Questa volta, nel ruolo di curatore, Ryslavy ha selezionato specificamente stampe, dipinti, sculture, installazioni e fotografie di 16 artisti austriaci (nati tra il 1931 e il 1965) che hanno insegnato o insegnano tuttora in una delle due accademie d'arte viennesi. Questo porta alla luce un altro capitolo autobiografico. L'artista rappresentato in mostra, Bruno Gironcoli, ad esempio, ha insegnato al celebre artista Franz West, con il quale Ryslavy ha avuto una prima amicizia e di cui ha collezionato le opere. Oswald Oberhuber, anch'egli rappresentato con opere in mostra, invitò Ryslavy a unirsi alla sua classe come "allievo maestro", anche se non aveva superato l'esame di ammissione all'Accademia di Vienna. Il progetto di Ryslavy di offrire e utilizzare le proprie opere nelle sale della mostra come "pannellatura (lambris)" sembra inizialmente sconcertante, in quanto questa decorazione architettonica è destinata principalmente a proteggere le pareti da graffi o danni causati da sedie e tavoli che urtano contro le pareti. Visto in quest'ottica, Ryslavy offre una protezione collocando i suoi dipinti a filo della parte inferiore delle pareti, come se mettesse a disposizione la sua opera per proteggere quella degli altri artisti presenti nella stessa mostra. Non è un rischio trascurabile utilizzare la propria opera come rivestimento delle pareti, poiché gli spettatori potrebbero accidentalmente urtare i dipinti o strapparli dai loro ganci. In riferimento alla hit di Aretha Franklin del 1985 "Who's zoomin' who?", la domanda è "Who's bumpin' who?". Questa specifica "impiccagione" del dipinto di Ryslavy sotto le opere selezionate degli altri artisti aumenta il valore della sua arte o la sua inedita strategia espositiva aumenta il valore delle opere degli altri? Rimane il dubbio che Ryslavy voglia trasmettere modestia con questa forma di presentazione, paragonabile a un profondo inchino per mostrare gratitudine o addirittura riverenza. Considerando la sua notevole carriera artistica (Skulptur Projekte 1997 e oltre 100 mostre personali in 11 Paesi dal 1980, ecc.), la maggior parte delle quali si è svolta al di fuori dell'Austria, si percepisce la sua apertura a incontrare nuovamente gli artisti austriaci. D'altra parte, si tratta forse anche di un atto di rilassato bilancio dopo l'iniziale rifiuto dell'Accademia di Vienna. In ogni caso, questa mostra proclama: "Senza offesa... tutto è perfetto così com'è", il che accresce il valore di ogni singola opera, dato che questa raccolta di opere d'arte fa rivivere un'epoca memorabile della fine del XX secolo della famigerata scena artistica viennese.

Sue Spaid

Con opere di: Siegfried Anzinger, Erwin Bohatsch, Herbert Brandl, Gunter Damisch, Bruno Gironcoli, Franz Graf, Claudia Hirtl, Brigitte Kowanz, Oswald Oberhuber, Lois Renner, Constanze Ruhm, Eva Schlegel, Ruth Schnell, Ingeborg Strobl, Erwin Wurm e Kurt Ryslavy